「時裝在藝術上有着難以置信的力量讓人夢想成真。」這4類藝術風格成為無數時裝設計師的靈感泉源

時裝達達達人

Dadaism的作品很適合放在當代美術館、私人辦公室觀賞，一般不適合放在家裡收藏。Dadaism充滿反建制意味，構圖充滿視覺衝突，意象灰暗，對比強烈，與追求和諧舒適的居家氣氛格格不入。雖然如此，但Dadaism卻與時 尚的本質不謀而合，從某個定義來說，每個時裝愛好者都是Dadaist 。

簡單而言，Dadaism是在第一次世界大戰爆發後，由一群飽受戰火催殘的知識份子和藝術家發起的反戰思潮運動，他們主張自發、否定規範、相信世界萬物皆無高低好壞之分。因此，他們的作品都帶著即興和反建制特質。假如用時尚界慣用語來演繹他們提倡的哲學，會是：「根據每日的心情來隨意穿搭服裝，不須迎合別人的目光和品味，任何事情都可以是時尚的一部份。」Dada藝術代表作包括有：Marcel Duchamp的 《Fountain》( 尿兜 )、《L.H.O.O.Q.》（長鬍鬚的Mona Lisa）和Hannah Hoch的《Cut with the Kitchen Knife》拼貼畫。

Comme des Garçons、Miuccia Prada絕對是時尚界裡的達達達人，擅長拼搭風格截然不同的圖案、物件、妝容和裝飾在一起，服裝奇特，每個細節都似層相識，但就有種難以言喻的新意。

Prada的印花圖案糅合Dada色彩，圖案色調、形狀和排列與瑞士藝術家Sophie Taeuber-Arp 有異曲同工的感 覺，把簡單平凡的圖像造得耐看又有美 感；Comme des Garcon男裝系列偶爾採用Dada拼貼造型法，把奇奇怪怪的裝飾和服裝拼湊一起；Yohji Yamamoto的男裝不時印上報紙印花和潑墨，證明素材無高低之分，與Dada藝術家的創作手法如出一轍。

 

二次流行創作

現代人似乎對視覺文化習以為常， 視像資訊泛濫，如無多過三秒注意力，深究圖像的細節和來龍去脈，實在難以體會知名藝術家的衝擊力，就算看到絲網印刷藝術品和pop art，也不會深究為甚麼Andy Warhol、Roy Lichtenstein等藝術家會被捧上神台。Pop art確實充斥 生活各個層面，任何視覺媒體都有它的影子，如果它不曾存在，這個世界會面目全非。

Pop Art於上世紀50、60年代出現，當時的英國和美國藝術家質疑藝術的本質，採用一些大眾文化裡的人物和元素作為創作題材包括新聞人物、明星、生活用品作畫，比較為人熟識的作 品， 有Andy Warhol絲網印刷印畫、Roy Lichtenstein模仿Ben Day印刷技 術製作的黑色波點漫畫繪圖，涉獵的題材有明星Marilyn Monroe、毛澤東、金寶罐頭湯、《Crying Girl》（平板印刷藝術品）、金魚缸和綁帶鞋等，都是一些新聞人物和在日常生活隨處可見的題材。作品構圖、用色和線條相對過去的藝術品簡單，焦點清晰，而畫作本身不帶古典教化功能。雖然它在早年仍不被視作高尚品味，但這種形象清晰、主體易明 和對比鮮明的圖像確能便利資訊傳遞。

早年的時裝設計師與這班視覺藝術家私交甚深，他們的個人傳記也不乏一些在Studio 51發生的軼事。 Franco Moschino和Jean-Charles de Castelbajac是時裝工業裡的pop art藝術家，在時裝發佈會現場仍在播放古典音樂的年代，他們已設計pop art時裝， 譬如參考快餐店McDonald的M字商標、熊人公仔套裝，挑戰高級時尚品味。後來Moschino也承襲這種創作哲 學，推出充滿pop art風格時裝。

Junya Watanabe索性用過往pop art作品裝飾2023春夏男裝，簡單直接，即使無法購得真品，收藏一件pop art二次創作，也不失為一種小資生活趣味。

 

當代實驗時裝

假如要用藝術品有否實用功能作分界線，Contemporary Art是伴隨著美術 館和博物館出現而發展出來的藝術類型。畢竟人人創作的出發點、用意、選 材和表達方式多元化，連創作和觀賞藝術的體驗也構成了藝術品的一部份，定義清晰而標準含糊，導致它的藝術價值 常常遭受質疑。這個情況跟Balenciaga推出的限量版distressed sneakers是否奢侈品這個問題一樣，答案因人而異。

簡單來說，現代藝術是個統稱，泛指所有自20世紀中期出現的藝術形式，當中細分成裝置藝術、投影藝術、行為藝術、數碼藝術、概念藝術等，它的本質和種類多元化，有別於早期用來宣揚宗教價值或鞏固政治權力的作品。在60年代，英國時裝隨著社會階級觀念瓦解，穿著規 範繼而消失，穿著打扮自此變成一種self- expression，是服裝製造業歷史的Contemporary Movement 。由於一般男士穿著比較務實，實驗風格男裝是至近30、40年才出現。近年Craig Green、Demna Gvasalia和Jonathan Anderson視時裝周為現代藝術服裝展，頻頻衝擊高級時裝品味。

Jonathan Anderson主理個人品牌和Loewe期間，都是以一種清新、簡潔的現代手法設計時裝。自從疫情爆發，他的表演方式瞬間改變，著重傳遞意念，不時與藝術家之外，還把時尚發佈會視作現代藝術服裝展，例如把日常生活用品鑲上衣身，或者在衣服上種滿麥草。雖然如此，但店舖內的JW Anderson服裝還是非常實在；Demna Gvasalia則把時尚體驗延伸至生常生活，屢屢推出破格設計便登上新聞版面，令人懷疑他是否有意利用輿論建立品牌。雖然沒有確切答案，但由新裝發佈到大眾產生反應的過程，已構成一種藝術體驗。

 

街頭藝術流行元素

走過國外的住宅區街頭和地鐵站， 觀察當地人的生活，才意識到街頭塗鴉、 穿著、語言和價值觀，只是這個生態系統 裡的特徵；在祟尚金錢和物質的表象之下，隱藏著不惜一切逆流而上、市井又睿智的生活精神。當然它背後的歷史和背境非常複雜，並非三言兩語能交代清楚， 但簡單而言，有說塗鴉原本是當地基層市民用來標示「地盤」的記號，也有人純粹創作視覺藝術，用來表達個人想法。

Street Art形式多變，夾雜多種藝術風格，觀感強烈，形象鮮明活潑，易與大眾產生共鳴。在80年代塗鴉才被視作為街頭藝術，變成泛指在公共場所創作的藝術形式，並隨著流行音樂頻 道面世而更普及，形成由下而上的潮流。

近年時裝品牌對街頭藝術趨之若鶩，引用街頭元素演繹男裝系列，例如Virgil Abloh主理的 Louis Vuitton就經常推出一些充滿街頭藝術色彩的服飾，2022秋冬推出的有聯乘Nike推出的 Virgil Abloh Graffiti Air Force 1 Mid、3D Graffiti T恤、Paint Can手袋，把「high」和「low」合而為一，將街頭隨處可見的服飾改頭換面，注入高級時尚特色之外，還把這些一向被形容為穿搭市井的衣衫版型推向國際，逆流而上，完美體現街頭精神。

 

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