遊走於黑白之間｜3本日本現代主義攝影師杉本博司必欣賞攝影作品
有「最後的現代主義者」美譽的日本攝影師杉本博司（Hiroshi Sugimoto）， 自1970年代起於洛杉磯以攝影創作。有別於其他在外國深造的攝影師，杉本博司自小在日本接受西方藝術教學，至越洋後才回頭著手研究東洋文化。因著這獨特的經歷，他構造出自己一套攝影技巧：為客觀的角度，糅合東西兼備的哲學思想及精細的攝影技術，創造出其鏡頭下獨有的視角。
常謂「時間能沖淡一切」，或許我們無法鉅細無遺地捉住每一個記憶，卻能以影像捕捉值得紀念的瞬間，甚至將意義延伸至更遠。「照片」明明是靜止的畫面，杉本博司卻能從只有黑白灰的無人之境中，紀錄下寓意深遠的作品。
1.《海景》Seascapes 1980-2002
從1980年代至2002年，杉本博司耗時逾30年時間，以黑白菲林拍下世界各處包括英吉利海峽、北冰洋、挪威海、黑海等地的水平線，締造出經典的《海景》系列。
系列概念源自「人人看得到的、共通的、普遍的風景」：杉本博司童年時，在熱海往小田原的湘南列車上，看到分明地把風景切割成兩份的水平線，畫面從此深深刻在他腦海內。
建築會依時代出現歲月痕跡、動植物會隨年華老去。縱觀古今，世上唯一恆古不變的，就只有由水和空氣建構而成的汪洋。我們之所以覺得大海療癒，主要是因為海洋的藍色和海浪聲。
杉本的攝影作品沒有聲音、也沒有色彩，剩下灰階的畫面，卻充份運用光影及線條，呈現出世界各地形態各異的水平線。大抵只有達到「見海還是海」的境界，才能向大眾展現出最純粹的共同記憶。
2.《劇場》Theaters 1975-2001
觀賞劇作是一般人到訪劇場的主因，但於杉本博司而言，劇場的意義遠不止於此。自1975年起的20多年，杉本博司走訪多間20至30年代建造的美國劇院，以及日本東京、大阪、法國巴黎、澳洲悉尼等地的劇院，以菲林攝影「錄下」劇院影像。他選擇在電影開始放映之際，於劇院樓座開啟快門，以長曝的方式拍下照片，直到電影放映完畢。
放映屏幕是漆黑中的唯一光源，杉本博司卻反而聚焦於劇場整體，以及觀賞電影的觀眾上。他曾於其著作《直到長出青苔》提及創作源起：「如果把一整部電影在一張照片上拍攝出來會是甚麼樣？」
「我心裡回答說，『你會得到一張發光的帆布』。為了能實現這個想法，我馬上開始實驗。」他將電影濃縮於一張 「發光的帆布」上，我們無法得知電影的內容，卻能另一角度思考「時間」之於我們的意義。
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3.《建築》Architecture 1997-2002
1997年起，杉本博司在五年來走訪世界各地55座現代主義建築，包括美國西格蘭大廈（Seagram Building）、世貿中心（World Trade Center）、所羅門·古根漢美術館（The Solomon R. Guggenheim Museum）等。
他沒有如其他攝影師般清晰紀錄建築物，反而參考既有的建築影像，再刻意於無限遠的焦距失焦，讓一幢又一幢歷史建築化成模糊的光影輪廓。
「建築物是建築的墳墓，而我，面對這些建築的墳墓，將攝影焦點對在無限遠，拍下陰魂不散的建築魂魄。」杉本博司將失焦的影像形容作建築魂魄，只因他認為建築一旦開始建造，某程度上已抹去建築師的初衷。
他透過《建築》進行一場另類的「眼睛旅行」，回歸建築師創作的初心，同時證明現代主義的建築，就算被模糊後仍能保有其特色。
